Jackie Brown
USA 1997
Regie: Quentin Tarantino
Darsteller: Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert Forster, Robert de Niro, Bridget Fonda, Michael Keaton, Chris Tucker u.a.
Tarantinos Vorliebe für lange Einstellungen und sein Riecher für eine
perfekte Besetzung kreieren aus der verwobenen Krimistory lupenreines
Darstellerkino, in welchem (fast) jeder Beteiligte die Möglichkeit(en)
erhält, seiner Figur die nötigen Nuancen und den nötigen Charakter zu
verleihen. Es wird - wie gewohnt - viel geredet und doch sagen die
Gesichter manchmal und zum Schluss immer öfter mehr als die Worte -
Emotionen sind hier nie Behauptung und nur in den seltensten Fällen Teil
der Dialoge, sondern in der von der Kamera präzise eingefangenen Mimik
vorzufinden (was auch das Ende, wenn Pam Grier ihre Lippen synchron zu
"Across the 110th Street" bewegt, zu einem der Highlights des Films
macht). Die in Echtzeit inszenierte, dreifach präsentierte
Einkaufszentrum-Szene ist demnach logischerweise nicht nur ein Ergebnis
des (im Voraus geschickterweise nie vollständig erklärten) Plans,
sondern das Ende einer lange Beziehungs- und Reaktionskette, mit ihren
eigenen kleinen und großen Eskalationen. Ein (zu Beginn etwas zu)
gemächlich erzählter, weitesgehend subtiler, überraschend menschlicher
und reifer Film zum Zurücklehnen und Genießen - und ein früher und
scheinbar oft übersehener Beweis dafür, dass Tarantino auch die Kunst
der filmischen Zurückhaltung zu beherrschen vermag. Mit maximaler
Wirkung, selbstverständlich.
P.S.: In den Credits taucht am Ende der "THANKS TO"-Reihe die Spalte "Sam Fuller - for EVERYTHING" auf, by the way.
8
Amer
Frankreich/Belgien 2009
Regie: Hélène Cattet, Bruno Fornazi
Darsteller: Marie Bos, Delphine Brual, Harry Cleven, Bianca Maria D'Amato u.a.
Eine wundervolle Zumutung, schmerzhaft in die Länge gezogen und dadurch
für den Zuschauer fast so quälend wie für die Protagonistin. Ein
morbider, beinahe ekelerregender Alptraum im Auftakt, ein sinnliches
Knistern im Mittelteil, wo man jeden Windzug zu spüren glaubt, und eine
brutale Eskalation im Schlussteil, die als logische Folge von
psychologischer Entwicklung bestimmt funktioniert, aber als entfesselte
Hommage an blutige Morde, in schwarzen Handschuhen und mit schwarfen
Klingen verübt, mindestens im ersten Moment besser wirkt. Der Soundtrack
- mit der Virtuosität eines Tarantino zusammengeklaut - verleiht dem
Film gefühlt die Hälfte seines Charakters plus sorgt im Abspann dafür,
dass sich das eben Gesehene fest ins Gedächtnis einbrennt. Natürlich ist Amer Style over Content, natürlich ist er viel zu lang, natürlich
schreit er in jeder Einstellung "Ich bin Kunst, bitches!" Aber seine
Art, sich sowohl der Physis wie auch der Psyche seiner Protagonistin in
jeder Sekunde mit einer solch beängstigender Intimität anzunähern, macht
ihn zu einem verdammt intensiven Filmerlebnis, welches mächtig auf den
Magen schlägt.
8
Gandu
Indien 2010
Regie: Kaushik Mukherjee AKA Q
Darsteller: Anubrata Basu, Joyraj Bhattacharya, , Rii u.a.
Quasi der filmgewordene Network-Ausruf "Ihr könnt mich alle am
Arsch lecken, ich lass' mir das nicht länger gefallen!" Oder eine Art An Indian Film Natürlich ist es für uns, hier, nicht immer leicht
nachzuvollziehen, dass die gewohnt scheinenden Gesten woanders einer
Rebellion gleichkommen, aber man kriegt ja schließlich noch die Raptexte
ins Gesicht gebrüllt und die Übersetzung grad hinterhergeworfen und
dann fußt die latente Wut nicht nur auf der Ereignislosigkeit der
trostlosen Bilder in trostlosen Farben. Später soll diese
Ereignislosigkeit noch umschwingen, soll ins komplette Gegenteil
fließen, als Ausbruch, als Traum vom Ausbruch, als Traum von Karriere,
von "etwas werden" in einer Welt, die hier in wenigen Minuten ein
besseres Porträt auf den Bildschirm geklotzt bekommt, als es ein
verdrehtes Slumdog Millionaire innerhalb seiner ganzen Laufzeit
kreieren könnte. Können wir da mitfühlen? Ja, können wir, weil uns die
Inszenierung mit ihren Kniffen keine andere Chance lässt und irgendwann,
gegen Ende, merkt man: Die Kamera ist ja schon die ganze Zeit leider zu
geil. Und dann Gehirnmassage mit Laufschrift, mit Schnittmassaker, mit
BÄM! ins Gesicht der vierten Ebene, mit Eskalation, mit Erlösung, mit
Rausch, mit plötzlichem Schluss. Gandu ist Kontextkino, klar, ohne den
Kontext ein seltsames Ungeheuer, eine Bukkakeparty fürs Gehirn, ein
großes "...was war das?!" (während der Sitznachbar grinst und meint
"Lustiger Film"), ein Mindfuck in den Grenzen des rappoetischen
Postrealismus, aber als ob es hier Grenzen gäbe? Nein, das ist kein
Überfilm, kein Meisterwerk, kein absolutes Sontwasauchimmer, aber es ist
ETWAS. Etwas Einzigartiges, schwer Fassbares, Unvergessliches, Krasses,
Sehenswertes, Weiterempfehlenswertes (für die, die sich an Extremen
laben, auch wenn diese Extremen ihnen das Hirn zermartern). Etwas
irgendwie Geiles.
Du willst eine Wertung? Wichs dir doch eine.
Rango
USA 2011
Regie: Gore Verbinski
Sprecher (Original): Johnny Depp, Isla Fisher, Abigail Breslin, Ned Beatty, Alfred Molina, Bill Nighy u.a.
"Go to hell!" - "Where do you think I came from?"
Ein grandioser Anfang, eine ausgewogene Mischung aus wahnwitzigem,
entfesseltem Slapstick, welcher dem Wort eine gewisse Würde
(wieder-)verleiht, feinem Filmzitatwitz und großartigem schwarzen Humor,
eine mit Ironie und doch auch mit Überzeugung präsentierte Geschichte
und das alles unterlegt (oder doch überstichen?) mit Musik, die Spaß und
Coolness stets in eine Symphonie der puren Filmfreude zu vermengen weiß
(Grüße an Hans Zimmer). Rango mag mittendrin ein wenig hängen und
auch der Showdown hätte zugegeben etwas wilder ausfallen können, aber
darüber sehe ich so gerne hinweg, wurde ich doch seit gefühlten Monaten
nicht mehr so gut unterhalten. Stellenweise pure awesomeness, die einem
Freudestränen in die Augen treibt, doch überraschenderweise hin und
wieder mit einem angenehmen Ernst, in einer wundervollen Geschichte
quasi um einen Schauspieler, der in seiner verzweifelten
Überlebensperformance plötzlich eine Über-Leben-Performance abliefert
und dadurch zum Helden wird. Wäre er nicht so heftig, wär's ein toller
Kinderfilm (da ist der höher eingestufte Die Legende der Wächter
wesentlich zahmer), so ist es ein toller Film, um sich wieder ein wenig
wie ein Kind zu fühlen, das eigentlich viel zu brutale Western schaut,
und das ganz ohne befürchtete Lächerlichkeiten oder Fremdschämmomente
oder aufgesetzte Emotionen. Verbinski hatte ja bereits mit dem unfassbar
unterschätzten Pirates of the Caribbean: At World's End bewiesen,
dass er dem Mainstreamkino einfach mal so Härte und Surrealismus
andrehen kann, aber Rango, Rango ist eine Perle, ein Geschenk, ein
wahrer Triumph. Und der Soundtrack erreicht beinahe Perfektion.
8
Bad Lieutenant
USA 1992
Regie: Abel Ferrara
Darsteller: Harvey Keitel, Frankie Thorn u.a.
Vielleicht ist das Ganze ja doch ironisch gemeint und Ferrare hat sich
nur das Augenzwinkern am Schluss gespart, um den Zuschauer noch mehr in
die Irre zu führen, aber das möchte man angesichts Keitels völliger
Hingabe seiner gefallenen und stets weiterfallenden Figur nicht glauben.
Eines der Werke, die völlig vom Hauptdarsteller getragen werden und
dieser ist auch der Grund, wieso Bad Lieutenant nach der Sichtung
nicht in Vergessenheit gerät: Keitel unterwirft sich völlig seiner
Figur, wird zum willigen Sklaven dessen Wut und Lächerlichkeit. Das ist
beeindruckend und hallt nach, aber der Kontext seiner Reise durch die
innere Hölle lässt zu wünschen übrig: Hier und da einen Jesus einbauen
macht noch keinen religiösen Kontext, ein Satz bezüglich Vergebung macht
noch keine Läuterung. Es bleibt der bittere Nachgeschmack, dass der
Auslöser reine Behauptung, die Wende reine Posse ist - seitens des
Films, nicht des Protagonisten. Denn so stark Keitel den Film führt, so
schwach führt der Film ihn, in ein Nichts, dessen Bedeutung zwischen
halbherzigen Andeutungen und wenig sinnhaften Ideen begraben bleibt.
Schade - und dennoch möchte man von einer Sichtung nicht unbedingt
abraten.
5
Gion Bayashi
Japan 1953
Regie: Kenji Mizoguchi
Darsteller: Ayako Wakao, Seizaburô Kawazu u.a.
"Ihr seid Kunstwerke!" wird den angehenden Geishas zu Beginn des Films
von einer alten Frau mit auf ihren Weg gegeben. Ein Weg der
Abhängigkeit, das steht von Anfang an fest - dass es letztlich eine
körperliche ist und "Geisha" zum edleren Begriff für eine eigentliche
Prostituierte verkommt, mag man als Zuschauer schnell befürchten.
Die sechszehnjährige Eiko, deren
Mutter (selbst eine bekannte Geisha) verstirbt und dessen Vater sich
wegen Geldproblemen weigert, sie zu unterstützen, wird diesen
moralischen Abstieg im finanziellen Aufstieg auf schmerzhafte Weise
erfahren müssen. Auch die ihr freundlich gesinnte Miyoharu kann das kaum
verhindern und wenn beide Frauen versuchen, der jeweils anderen in
ihrer Lage zu helfen, kann dies nur durch Selbstaufopferung
funktionieren. Am Schluss gilt es somit für beide, sich der Situation
schweigend anzupassen, um nicht noch tiefer zu fallen. "Dreistigkeit"
findet eine filmische Definition in der Rückkehr des Vaters, welcher
zwar früher nicht für seine Tochter sorgen wollte, aber davon ausgeht,
an ihrem Geld teilhaben zu können. Immerhin weiß sich Eiko zu wehren,
als sie zum ersten Mal zum Sex genötigt wird: Ein kurzer, angenehm
schmerzvoller Rachemoment in einer Welt, wo Frauen die soziale Pyramide
nur nackt und ergeben und selbst dann nur wenige Stufen nach oben
erklimmen können. Ein ruhiger, trauriger und an einigen Stellen wütend
machender Film, der zumindestens einer Freude beherbergt: Fünf Werke
dieses tollen Regisseurs warten noch auf eine Sichtung und ich rede nur
von denen in meinem "Besitz".
__________
- Mizoguchi porträtierte hiermit die tatsächliche Entwicklung des
Geishabegriffs im Japan der 50er. Der gute Mann hatte generell viel Kontakt zu den Vertreterinnen des Gewerbes und ließ sie gerne ihm ihre Erfahrungen berichten.
7
Ugetsu Monogatari
Japan 1953
Regie: Kenji Mizoguchi
Darsteller: Masayuki Mori, Machiko Kuô, Kinuyo Tanaka u.a.
Es beginnt mit großen Ambitionen, welche schnell von Kriegswirren
überrollt werden, und die Bilder des ländlichen Chaos sind die ersten,
die sich einprägen (später sollen noch andere Einstellungen folgen, die
sich unerbittlich ins Gedächtnis einbrennen). Es folgt Hoffnung, auf
Reichtum und sozialen Aufstieg, denn zwei Männer wollen mit dem Verkauf
von Krügen und Töpfen ein gutes Geschäft machen: Der eine will endlich
ein reicher Mann sein, der andere sich eine Rüstung kaufen und zum
Samurai werden. Dass ihre Frauen sie vor den Gefahren warnen, ist ihnen
egal, und so siegt hier der menschliche Drang nach Aufstieg mal wieder
über die Angst vor dem möglichen Fall. Die Konsequenzen der Taten werden
den Männern noch bewusst werden, aber dann wird es hier und da schon zu
spät sein...
Ugetsu ist ein unsteter Film, so unstet wie die Geschichten seiner
Figuren, doch dies ist nicht als Nachteil zu werten: Der Wechsel
zwischen den Stimmungen ist so fließend wie im echten Leben und selbst
die übernatürlichen Anklänge werden so bodenständig wie nur möglich
serviert - so bodenständig, dass man sie zunächst gar nicht als solche
erkennt. Um die Genrewechsel spinnt Mizoguchi zutiefst menschliche,
oftmals bedrückende und schmerzhafte Geschichten um (Selbst-)Verführung
und Verrat, Verzweiflung und Verfall, Verurteilung und Vergebung. Der
Film schreckt nicht vor verstörenden Momenten zurück, einerseits
Momenten, in denen den Figuren die Konsequenzen ihres Handelns bewusst
werden, andererseits Momenten, welche die Auswirkungen von Krieg zwar
kurz, aber abstoßend prägnant in Bilder und Geräusche bannen. Und doch
gibt es auch wirklich Passagen voller Schönheit, beinahe hypnotisch, und
auch dem Schluss liegt eine gewisse Wärme, eine gewisse Versöhnlichkeit
zugrunde. Die letzte Einstellung scheint, nach all den Wirren der
letzten Zeit, ganz schlicht und ruhig festzustellen: Was auch passiert,
irgendwie müssen wir alle weitermachen.
__________
- Gibt's als Teil der Late Mizoguchi-Box von Masters of Cinema (wahlweise auf DVD oder Blu-ray) mit sieben weiteren guten bis großartigen Filmen und dicken Booklets.
Weiterschauen: Rest von Mizoguchis Filmographie (weil zu unbekannt), Kwaidan (Nasaki Kobayashi)
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